拍片開麥拉

2015年的「創意拍片營」帶著全台一百多位高中生走進影像與表演的世界。這不是技術型的營隊，而是一場重新學習「如何看世界、如何合作、如何把故事說清楚」的發聲練習。

營隊從「我是誰」開始。同學們在彼此不熟悉的情況下，必須用生動的方式介紹自己。綽號、故事、歌聲、肢體—每個人想辦法用一種能被記住的方式說出自己的名字。簡單的自我介紹成為一場創意練習，也讓同學意識到：如果我們希望觀眾聽見我們說的話，那麼開口說的第一句，就必須有意識、有想法、有目的。接下來的小組介紹更進一步考驗合作，大家需要把小組「組成某個事物」，例如變成一台汽車、組成一艘船。角色如何分工？彼此如何形成一個整體？以創意包裝的團隊練習，卻在後來的拍攝裡被反覆驗證——拍片不是個人完成，而是如何讓各自的功能找到共同位置。

接著進入劇場創意表演課程。今年邀請到大熊（劉長灝）老師與姚坤君老師，以截然不同的風格帶領兩個班輪流磨練創意表達。大熊老師從臉部肌肉、肢體張力到情緒轉換帶著大家練習，讓同學看見「表達」不是天分，而是持續操練後的身體能力。許多平時安靜的同學，在課程中第一次大方做鬼臉、擺誇張姿勢，發現突破自己的瞬間同時也帶來成就感。隨後的小短劇練習更提醒同學：角色的身分、從哪裡來、要往哪裡去，都不能靠台詞直接說，而要靠動機、肢體與邏輯建立起來。練習拍片的第一個能力「看見生活」；沒有觀察，很難說好故事。

坤君老師的課則把「團隊」推向更深的層次。透過拍手練習、外星語對話、中性劇場等訓練，同學要學會把彼此視為一個整體。當二十人的拍手能像同一個人，那表示每個人都願意把夥伴的聲音、節奏與狀態放在心裡。「外星語」的練習讓同學發現，語言不通時，溝通反而更需要聽、觀察與感受。「中性劇場」藉由同一句話因為不同的身體、聲音與動機而產生不同的解讀，另一種方式讓大家理解影像敘事的本質：每一個看似微小的選擇，都會影響觀眾接收到的意義。

三天密集的表演訓練在成果呈現中達到第一個高峰。今年的拍片主題延續青少年發聲網的年度創作主題，以「隔壁的阿白」刺激大家的想像，「隔壁」指涉空間，「阿白」代表腳色，所有組別都在相同題目下創作短劇，必須把所學到的創意、身體表達與演出態度放進故事裡。晉級制度很殘酷，但老師們反覆強調的不是「能不能被選上」，而是「你有沒有為這件事負責任、展現學習動機」。

四天後，進入正式拍片的第二階段。晉級的同學組隊成立劇組，開始故事發展、劇本討論、分鏡設計。由專業的導演們協助完成劇本，提醒劇組釐清情節動機，找到核心觀點。每一次被退稿都讓組內的討論更深，也讓大家意識到——能清楚說出自己想講什麼，才是創作的起點。過程中，有人因為太執著某個「喜歡的梗」而被提醒必須回到故事整體；有人在聆聽別人的觀點後重新調整結構；有人在不斷修改間找到自己真正想說的東西。拍片營在這一刻讓青少年經歷的不只是技術，而是一場關於表達與理解的學習。

拍攝則是另一個層次的磨合。每個劇組都遇到限制：天氣突然變化、場地協調困難、拍攝時才發現劇本邏輯問題、角色狀態不連戲……但也正是在這些現場難題中，同學看到影像創作的真實樣貌。有人深夜補拍、有人輪班剪輯、有人第一次在鏡頭後指導表演，也有人第一次發現團隊裡的某個夥伴原來如此可靠。作品完成後，全體在誠品電影院舉行成果放映會，在真正的大銀幕上看見自己的影像，有緊張、有興奮，也有一種「我們真的做到了」的實感。導師們在映後給出的專業講評，讓成果不只是一場展示，而是真正的學習整合。

最後的分享與回顧裡，許多同學說他們第一次理解「說故事」其實需要大量感覺、觀察與思考；也有人說在團隊磨合裡學到的，比拍片技術更多。拍片營帶走的不是一支作品，而是讓青少年重新理解自己、理解夥伴、理解世界的能力。故事其實都在日常裡，而影像是一種把經驗說出來的方法。如果我們知道自己是誰、從哪裡來、想往哪裡去，那麼我們就有足夠的理由在創作裡保持誠懇，並相信一定會有人願意聽。